the "personal" in making jewellery, which sometimes rises from an inner impulse, seems to be the most valuable characteristic, and that's what i want to find for my jewellery. the original idea for a piece of jewellery can transform during the work into something completely unexpected. the process should always stay open. where does it come from what am i doing? where will it go? there is falling something into me, and that it can fall in, i have to be empty. is it possible to be empty? free from thoughts? from the surprises during the work process, which I recognize as a gift, my work is developing.

das „persönliche“ im schmuckmachen, das aus einem inneren impuls entspringende, scheint mir die wertvollste eigenschaft zu sein, etwas das ich unbedingt für meinen schmuck finden möchte. oft ist es so, dass die anfängliche idee sich als nicht zufriedenstellend erweist. was dann tun? das machen einfach fortsetzten? nicht darüber nachdenken? woher kommt das, was man macht? wohin wird es gehen? die ursprüngliche idee für ein schmuckstück kann sich während der arbeit in etwas völlig unerwartetes verwandeln. der prozess sollte immer offen bleiben. handelt es sich um einen zufall, etwas das mir „zufällt“? da „fällt“ mir etwas „zu“ oder „ein“. muss man „leer“ sein damit es „einfallen“ kann? aus den überraschungen während des arbeitsprozesses, die ich als geschenk wahrnehme, entwickelt sich meine arbeit.

danni schwaag . jewellery

Kathrin Hager
(Translation Alison Fry, German version below)

Everything is art,
nothing is jewellery *

Brooch, necklace, bracelet, ring – these terms are generic, encompassing the classical repertoire of jewellery forms, and serve to denote what is decorative, adorning and sophisticated. For thousands of years the possession and wearing of jewellery was an expression of wealth, symbolizing membership of the upper echelons of affluent society. More recent social changes in the 20th century have called these status symbols into question, in some cases even disparaging them. Linguistic use has even transformed the accepted interpretation of jewellery as a sophisticated, expensive item into something which is derogatory – “bling”, for example, a term used to describe jewellery which is vulgar and gaudy.
During the social upheaval of the 1960’s attitudes to jewellery design were re-thought – decorative pieces came to embody much more than just precious metals and stones. Jewellery’s “indicators of social identity-building” changed; its function became “unlimited”, aligning itself to other forms of artistic expression 1. The generic terms remained the same but jewellery, however, became something completely different. Since this era jewellery has been viewed as more than a financial investment, addressing itself to those who understand its new message. Jewellery as a contemporary art form was born.
The major breaks with tradition began in Europe in a small number of jewellery-making centres. Jewellery was viewed in a new context and non-precious materials were now acknowledged to be “jewellery compatible”. At almost all the relevant institutions of higher education in Germany – some of which classified jewellery design as a craft and others as a fine art – the original, socially influenced revolution in jewellery design was expressed in the vocational training on offer. Within the context of the differing approaches new centres of jewellery design developed. They were, on the one hand, classic training centres for goldsmiths with their corresponding academies or universities such as, for example, Hanau, Pforzheim or Idar-Oberstein and, on the other hand, the art schools in Düsseldorf or Munich. In global terms Amsterdam, Vienna, Zürich and Barcelona in particular distinguished themselves with nuanced attitudes to the art of jewellery and varying approaches. Exhibitions also contributed to the promotion and spread of contemporary, artistic jewellery. The annual “Schmuck” exhibition organized by Munich and Upper Bavaria Chamber of Crafts and held in Munich has been particularly influential in this regard, attracting the “Who’s who” of the international jewellery design world. Fairs held at museums have also become increasingly widespread – for example the long-standing “Grassimesse” in Leipzig, which takes place in tandem with the more recent “Designer’s open” show for applied arts, or the “Kunst und Handwerk” fair held at Hamburg’s Museum für Kunst und Gewerbe. The Hamburg fair has achieved a European status going beyond national boundaries. Such fairs and exhibitions provide a growing platform for jewellery as an expression of art. The link between art school presentations and fairs is an interesting one – the coexistence of experimental and established perspectives is a mutually enriching one.

Initially a goldsmith
Danni Schwaag has been working with jewellery since 1998, initially training as a goldsmith, which taught her the classic techniques of the jewellery craft. She was first introduced to the concept of creating jewellery, which views jewellery in other, freer contexts, while a student in Idar-Oberstein studying for a degree in “Precious Stones and Jewellery Design” (affiliated to Trier University of Applied Sciences) under her teacher Professor Theo Smeets, himself a graduate of the Gerrit-Rietveld Akademie in Amsterdam. While she is not a member of the original revolutionary generation of artists who provided contemporary jewellery with enormous stimulation and its artistic character thanks to their “questioning of its social representative context” 2 she is, however, a member of the successor generation, which was able to fully immerse itself in what had become a wide-ranging spectrum of interests within the context of jewellery creation without the constraints of accepted conventions.

Why Idar-Oberstein? Her conscious choice of the town represented a step on the journey towards achieving a specific goal – to immerse herself in an affinity with unusual materials which she had felt from an early age.
Idar-Oberstein, located in Germany’s Rhineland-Palatinate region, has a long tradition as a centre for precious stones and today goldsmiths and jewellery designers still buy their gems there or send them to be cut. The town has, however, also experienced the vicissitudes of fashion trends and changes in taste, frequently having to re-invent itself to accommodate new market demands and changes in fashion trends and preferred materials. Numerous vestiges bearing witness to the influence of past fashion jewellery eras can still be found in Idar-Oberstein today – a veritable treasure trove for Danni Schwaag with her feel for form and materials. Often the inspiration to examine past and present definitions of what is decorative was provided by items which were unwanted – because no longer current or in line with the market – such as cameos; buttons made using galalith, a synthetic material based on milk protein, and, above all, reconstructed stones – so-called semi-precious gems made using resin containing a proportion of genuine gemstones. In addition to an affinity for the materials she also loved the techniques, in particularly enamelling, with which she was already experimenting intensively in Idar-Oberstein. She was able to develop this skill further under her teacher Ramon Puig Cuyas at the prestigious Escola Massana in Barcelona within the scope of an Erasmus scholarship.

Intuition – Finds – Rediscoveries
Danni Schwaag had already developed her own signature design style while at art school. Taking a material as her starting point she opens her senses to its physical and form characteristics. For her thesis (2008) she selected mother of pearl, an extremely ­brittle material which is difficult to work. The thesis is entitled “intuition” and Danni Schwaag worked her way, as it were, through the material. A single, intact shell was the inspiration for her work. She re-interpreted the concept of “pearls” by alluding to them will still, however, retaining a connection to the material itself. The result was, in particular, to accentuate the visual and haptic qualities of mother of pearl. Single small, flat oval or round chain links were sawn out of the whole shell before being combined with the contrasting materials of wood, enamel and gold to create a harmonious new composition. The tones of the iridescent mother of pearl and the dull wood complement the cool shine of the enamelled copper to form a balanced, coherent combination of colours and materials. She was able to successfully realize a completely new re-evaluation of these materials.
Another design element of her work is its illustrative quality, which is clearly apparent in the variations of shape of a series of rings, also made using mother of pearl. Devised and drawn in a wide range of designs the actual pieces retain the almost two-dimensional feel of the original sketches. The aspiration to realize perfectly crafted pieces, undoubtedly a legacy of her craftsman’s apprenticeship, is also apparent in her later free designs. By sensing and penetrating the materials and giving expression to the forms they contain she is manifesting her own signature design style. As a result she has also experienced a great response to her work, with invitations to put on shows at international galleries or to attend symposia in European centres of jewellery design such as Bratislava, Kremnica or Turnov.
A key element in Danni Schwaag’s designs is the inspiration generated by things she finds. A new element can be the starting point for surprising results. The “jakop” series of brooches (2010), P. 18, was created using fragments of broken tiles and ebony mounted on steel. These pieces appear to be almost a contradiction to the mother of pearl pieces – with strong colours and predominantly rough surfaces. Like jigsaw puzzle pieces they can be combined using decorative cording to form small pieces of architecture. The story behind the origins of the “blu-men” series of brooches (2011), P. 30, is typical of Danni Schwaag’s method of working. The inspiration for the series originated on a car journey, with a hand painted sign with the wording “blu-men” playing a key role. Out of a chance encounter Danni Schwaag developed an idea for series with the same name. In comparison to the more austere “jakop” series, the later series has a playful, poetic note. Fragments of broken tiles were also used for the “blu-men” series, however this time in a more graphic form supplemented with floral shapes; blossom-like enamelled copper discs and fragments of broken porcelain.
The series of the “sketch-brooches”, P. 36, illustrates the increasingly graphic nature of her work, with the sketches for the pieces applied to carrier materials using transfer sheets. Danni Schwaag experiments with a game of self-referentiality – sketches of jewellery are projected onto three-dimensional jewellery as ornaments.
The wide range of materials used for the “sketch-brooches” or the “blu-men” series recurred in the necklace entitled “felder” (2012), P. 39. Here she experimented with a concept of jewellery which views it as almost being a small sculpture. Going beyond the idea of wearable pieces this form of jewellery is not clearly dependent on a wearer.
With her series “l’art pour l’art” (2013), P. 42, Danni Schwaag has entered into another free artistic dimension, adding a new material to her repertoire; one which is a chance find. The material in question is acrylic paint; dried-out layers of paint are removed from the mixing plate before small fragments are used to create pieces of jewellery. This is another instance of her intensive exploration of a material’s characteristics. Cut, polished and mounted finished the result is a new combination of materials. Its attraction is the unexpected but perfectly crafted amalgamation of the material elements, which combine to produce a surprising, almost astoundingly aesthetically pleasing effect. “The process should always be free. Is it a coincidence, something that just ‘happens’ to me? A still energy between me and the individual elements of the jewellery”, is the way she herself describes her work in a self-characterizing statement 3. Danni Schwaag’s love of discovering, and passion for collecting new materials is boundless. Her studio has recently become home to a small collection of new finds – lobster feet and dried fish eyes. We await the results with bated breath.

* Slogan on a wall by Erika Jones (fellow student of Danni Schwaag and alumni of Trier University of Applied Sciences / Idar-Oberstein) pictured on the reverse cover of the book ThinkingJewellery on the way towards a theory of jewellery / SchmuckDenken unterwegs zu einer Theorie des Schmucks, published by W. Lindemann & FH Trier/Idar-Oberstein, Idar-Oberstein 2011

1 Felderer, Brigitte and Lachmayer, Herbert: Im Kopf, am Hals, am Finger. In: Alles Schmuck. Edited by Brigitte Felderer, Erika Keil, Herbert Lachmayer, Museum für Gestaltung Zürich, Zürich 2000, P. 24 and P. 54.

2 See Footnote 1, P. 56

3 Danni Schwaag, excerpt from a statement concerning her thesis “Intuition”, 2008

danni schwaag . schmuck

Kathrin Hager

Brosche, Halsschmuck, Armreif, Ring – wie Archetypen repräsentieren diese Begriffe das klassische Formenrepertoire der Schmuckkunst und sind Ausdruck für Zierendes, Putzendes und Edles. Jahrtausendelang bildete sich im Besitz und Tragen von Schmuck Reichtum ab und symbolisierte Zugehörigkeit zu einer gehobenen sozialen, auch vermögenden Schicht. Jüngere gesellschaftliche Umbrüche haben im 20. Jahrhundert die Anerkennung dieser Statussymbole hinterfragt und teilweise nivelliert, die gängige Interpretation des edlen und teuren Geschmeides wurde im Sprachgebrauch sogar abschätzig zu Klunkern – und Klunker waren gleichgesetzt mit Prunk und Protz.
Schmuckgestaltung erfuhr während der gesellschaftlichen Umbrüche in den 1960er Jahren eine völlig neue Herangehensweise: Schmückendes war nun weit mehr als nur Edelmetall und Edelstein. Die „Indikatoren sozialer Identitätsbildung” im Schmuck veränderten sich, die Schmuckaufgaben wurden „entgrenzt” und orientierten sich an anderen künstlerischen Ausdrucksformen1. Die Gattungsbegriffe sind die gleichen geblieben, der Schmuck ist jedoch ein ganz anderer geworden. Schmuck konnte seitdem auch jenseits einer Wertanlage betrachtet werden und richtete sich an diejenigen, die seine neue Botschaft verstanden. Der Künstlerschmuck, oder Autorenschmuck, war geboren.
Die wesentlichen Traditionsbrüche haben in Europa in wenigen Zentren der Schmuckkunst begonnen. Schmuck wurde in andere Kontexte gebracht und Materialien abseits des Edlen wurden nun als „schmuckfähig” anerkannt. Der ursprünglich gesellschaftlich bedingte Aufbruch im Schmuckdesign schlug sich in der Ausbildung an nahezu allen einschlägigen Hochschulen in Deutschland nieder, die die Schmuckgestaltung zum Teil dem Kunsthandwerk, zum Teil aber auch den freien Kunstdisziplinen zuordneten. In diesen unterschiedlichen Ausprägungen waren es die klassischen Ausbildungsstätten des Goldschmiedehandwerks mit zugehörigen Akademien oder Hochschulen wie z.B. Hanau, Pforzheim oder auch Idar-Oberstein, zum anderen die Kunsthochschulen in Düsseldorf oder München, die sich zu den neuen Zentren der Schmuckgestaltung entwickelten. Auf internationaler Bühne haben sich vor allem Amsterdam, Wien, Zürich oder Barcelona mit differenzierten Positionen in der Schmuckkunst und mit unterschiedlichen Ausprägungen hervorgetan. Auch Messen trugen ihren Teil dazu bei, den Künstlerschmuck zu stärken und zu verbreiten, hier ist München anzuführen mit der alljährlich stattfindenden Messe „Schmuck” der Handwerkskammer München und Oberbayern, bei der sich das „Who is who” der Schmuckkünstler aus aller Welt präsentiert. Immer mehr profilieren sich auch die Verkaufsmessen an Museen, z.B. die traditionsreiche „Grassimesse” in Leipzig mit der gleichzeitig statt-findenden jungen Messe für angewandte Kunst „Designer’s open” oder die Messe „Kunst und Handwerk” im Museum für Kunst und Gewerbe in Hamburg, die sich nun auch über die regionale Szene hinaus nach Europa geöffnet hat. Sie geben den künstlerischen Positionen im Schmuck vermehrt Raum. Interessant die Verknüpfung von Hochschulpräsentationen und Messen: Immer wieder befruchtet sich das Nebeneinander von experimentellen mit bereits etablierten Positionen.

Erst Goldschmiedin
Danni Schwaag arbeitet seit 1998 mit Schmuck, zunächst während einer Ausbildung zur Goldschmiedin, in der sie die klassischen Techniken des Schmuckhandwerks lernte. Den Zugang zum Schmuckmachen aber, den Schmuck in anderen, freieren Zusammenhängen denkend, hat sie im Rahmen ihres Studiums „Edelstein und Schmuckdesign” in Idar-Oberstein (der Fachhochschule Trier zugehörig) unter ihrem Lehrer Professor Theo Smeets erhalten, der selbst an der Gerrit-Rietveld Akademie in Amsterdam ausgebildet wurde. Damit gehört sie nicht mehr zur Aufbruchgeneration derjenigen, die dem zeitgenössischen Schmuck durch das “Infragestellen seines gesellschaftlichen Repräsentationskontextes”2 seinen enormen Impuls und den künstlerischen Charakter gaben. Sie gehört aber zu einer Schülergeneration, die in vollen Zügen und frei von Konventionen in das nun weit aufgefächerte Themenspektrum des Schmuckmachens eintauchen konnte.
Warum Idar-Oberstein? Mit der sehr bewussten Wahl dieses Ortes suchte sie selbst ein bestimmtes Ziel zu erreichen: In der Vertiefung einer schon früh gespürten Affinität zu außergewöhnlichen Materialien. Die Stadt in Rheinland-Pfalz hat eine lange Tradition als Edelsteinstadt, noch heute kaufen Goldschmiede und Schmuckgestalter ihre Edelsteine in Idar-Oberstein oder schicken sie zum Schleifen dorthin. Doch der Ort unterlag auch den Moden und Launen des Geschmacks, musste sich immer wieder auf Neuausrichtungen der Märkte, Modetendenzen und neue Materialvorlieben einstellen. Die Spuren des jeweils Zeitverhafteten der vergangenen Schmuckmodeepochen findet man noch heute reichlich in Idar-Oberstein: für Danni Schwaag mit ihrem Form- und Materialgespür eine wahrhaftige Fundgrube. Häufig waren es ausgediente, da nicht mehr aktuelle und marktgerechte Materialien wie Gemmen, Knöpfe aus Galalith, einem Kunststoff auf der Basis von Milcheiweiß, aber vor allem die rekonstruierten Steine – die so genannten Halbedelsteine aus Gießharz mit einem Echtsteinanteil – die einen reichhaltigen Fundus für die Auseinandersetzung mit einst und heute Schmückendem bildeten. Zur Materialaffinität kam die Begeisterung für Techniken, besonders das Emaillieren, womit sie schon in Idar-Oberstein intensiv experimentierte und das sie an der renommierten Escola Massana in Barcelona – wo sie ein Erasmus-Stipendium absolvierte – bei ihrem Lehrer Ramon Puig Cuyas weiter verfeinern konnte.

Intuition – Fundstücke – Wiederentdecktes
Ihre eigene Gestaltungshandschrift entwickelt Danni Schwaag schon während des Studiums: Ausgehend von einem Werkstoff erspürt sie dessen Material- und Formeigenschaften. Mit Perlmutt wählte sie für ihre Diplomarbeit (2008) einen äußerst spröden und schwierig zu bearbeitenden Stoff. Die Arbeit ist mit „intuition” (S.?11) betitelt und Danni Schwaag arbeitete sich quasi durch das Material hindurch. Eine ganze Muschel bildete die Ausgangsbasis. Sie interpretierte das Thema „Perle” neu, indem sie angedeutete Perlen herausarbeitete, aber mit dem Material verbunden ließ. So akzentuierte sie besonders die optischen und haptischen Eigenschaften des Perlmutts. Einzelne ovale oder runde Kettenglieder wurden als Plättchen aus der ganzen Muschel herausgesägt und mit den kontrastierenden Materialien Holz, Email und Gold zu einer harmonischen Neukomposition zusammengefügt. Die Farbtöne des irisierenden Perlmutts und des stumpfen Holzes ergänzen sich mit dem kühlen Glanz des emaillierten Kupfers zu einer ausgewogenen und stimmigen Farb- und Materialkombination. Es gelingt ihr eine völlige Neubewertung dieser Materialien.
Eine weitere gestalterische Facette liegt in der illustratorischen Qualität ihres Werkes, die sich deutlich an den Formvariationen einer ebenfalls aus Perlmutt gearbeiteten Ringserie zeigt. In großem Variantenreichtum erdacht und gezeichnet, ist der nahezu zweidimensionale Eindruck des zeichnerischen Entwurfs in der Umsetzung erhalten geblieben.
Der Anspruch an handwerklich perfekte Umsetzung, der sicherlich ihrem Ursprung in der Handwerksausbildung geschuldet ist, ist auch an ihren späteren freien Entwürfen abzulesen. Mit dem Erspüren und Durchdringen des Materials und dem Herausarbeiten der Formen, die im Material stecken, manifestiert sie ihre eigene Designhandschrift. Und findet damit ein großes Echo auf ihre Arbeiten, internationale Galerien laden sie zu Ausstellungen oder zu Symposien in den europäischen Metropolen der Schmuckkunst ein, z.B. nach Bratislava, Kremnica und Turnov. Die Inspiration, die von Fundstücken ausgeht, ist ein wesentlicher Strang in Danni Schwaags Entwürfen. Ein neues Element als Ausgangspunkt führt zu Überraschungen. Die Serie des Ansteckschmucks „jakop” (S. 18) besteht aus Fliesenbruchstücken und Ebenholz auf Stahl montiert. Fast konträr wirken diese Arbeiten im Vergleich zu den Perlmuttarbeiten: Stark farbig, die Oberflächen überwiegend rau. Wie Puzzleteile werden sie mittels einer dekorativen Schnürung zu kleinen Architekturen zusammengefügt.
Beispielhaft für die Arbeitsweise Danni Schwaags ist auch eine Anekdote zur Entstehung des Ansteckschmucks „blu-men” (2011), S. 30. Die Inspiration für die Serie entstand durch eine unmittelbare Reiseerfahrung, bei der ein Verkaufsschild mit der Aufschrift „blu-men” eine wesentliche Rolle spielt. Aus einer Begegnung entwickelte Danni Schwaag eine Serienidee gleichen Namens. Diese Reihe fällt spielerischer, poetischer aus als die im Vergleich hierzu eher strenge Serie „jakop”. Auch bei „blu-men” werden Fliesenbruchstücke benutzt, allerdings bearbeitet sie diese grafisch und ergänzt sie durch florale Formen, blütenblätterartige emaillierte Kupferplättchen und Porzellanbruchstücke. Ein zunehmend grafischer Charakter zeigt sich in der Serie der „skizzen-broschen”, S. 36: Mittels einer Transferfolie werden Skizzen von Schmuckstücken auf Trägermaterialien aufgebracht. Danni Schwaag experimentiert mit einem Spiel der Selbstreferentialität: Gezeichneter Schmuck wird als Ornament auf plastischen Schmuck projiziert. Die besondere Materialvielfalt bei den „skizzen-broschen” oder bei „blu-men” findet sich wieder im Halsschmuck mit dem Titel „felder” (2012), S. 39. Hier experimentiert sie mit einer Auffassung von Schmuck, die ihn in die Nähe zur Kleinplastik rückt. Über den tragbaren Schmuck hinausgedacht, sucht diese Schmuckform nicht eindeutig einen Träger.
In eine weitere freie, künstlerische Dimension dringt Danni Schwaag mit der Serie „l’art pour l’art” (2013), S. 42 vor, indem sie ein neues Material in ihr Repertoire aufnimmt, wiederum ein Zufallsfund. Es handelt sich um Acrylfarbschichten, die sie vom Farbmischteller als durchgetrocknete Bruchstücke abnimmt und in Stücken weiterverarbeitet. Auch hier erkundet sie intensiv die Materialeigenschaften. Geschnitten, geschliffen und montiert findet sie wiederum zu neuen Materialkombinationen. Der Reiz besteht in der unerwarteten, aber perfekt bearbeiteten Verknüpfung der Materialelemente, die sich in einer überraschenden, fast verblüffend ästhetischen Wirkung zusammenfügen. „Der Prozess soll immer offen bleiben. Handelt es sich um einen Zufall, etwas das mir ,zufällt’? Eine stille Energie zwischen mir und den einzelnen Elementen des Schmucks” beschreibt sie selbst ihre Arbeit in einem selbstcharakterisierenden Statement (3).
Danni Schwaags Entdeckungsfreude und Sammelleidenschaft neuen Werkstoffen gegenüber ist grenzenlos. Neuerdings findet sich in ihrem Atelier eine kleine Sammlung mit weiteren Fundstücken: Füße von Langusten und getrocknete Fischaugen. Wir lassen uns sehr gerne weiter überraschen.

* Wandspruch von Erika Jones (Kommilitonin von Danni Schwaag und ehemalige Studentin der FH Trier/Idar-Oberstein) abgebildet auf der Rückseite des Buches: ThinkingJewellery on the way towards a theory of jewellery / SchmuckDenken unterwegs zu einer Theorie des Schmucks, hg. von W. Lindemann & FH Trier/Idar Oberstein, Idar Oberstein 2011

1 Felderer, Brigitte und Lachmayer, Herbert: Im Kopf, am Hals, am Finger. In: Alles Schmuck. Hg. von Brigitte Felderer, Erika Keil, Herbert Lachmayer, Museum für Gestaltung Zürich, Zürich 2000, S. 24 u. S. 54.

2 s. Anm. 1, S. 56

3 Danni Schwaag, Auszug aus Statement zur Diplomarbeit „Intuition” 2008